"Naranja y Amarillo" - Mark Rothko, 1956

LECTURA DE UNA OBRA ARTÍSTICA DE MARK ROTHKO: «NARANJA Y AMARILLO», 1956.

1. FICHA TÉCNICA

• Título: Naranja y amarillo (Orange and Yellow)
• Autor: Mark Rothko (1903-1970)
• Cronología : 1956
• Estilo/época : Expressionismo Abstracto, Colour Field Painting.
• Medidas: 231,1 x 180,3 cm
• Técnica y soporte: Pintura al óleo sobre lienzo.
• Localización: Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA

2. DESCRIPCIÓN DE LOS ELEMENTOS FORMALES

Utiliza la técnica de pintura al óleo sobre un lienzo de gran formato propio del expresionismo abstracto. Aplicó la pintura mediante una esponja. Sin embargo, Rothko no quería que el espectador pensase en él mientras observaba su obra, y es por eso que intentaba deshacerse de cualquier rastro del proceso de creación que había llevado a cabo.
Los colores, vibrantes y muy diluidos, aplicados en veladuras sucesivas, envuelven al espectador y lo introducen en un nuevo tipo de espacialidad ajena a cualquier noción mesurable. En los años sesenta, los colores brillantes y expansivos de la década anterior (colores observables en este cuadro) ceden paso en su obra a tonos sombríos – morados, grises, verdes oscuros, marrones-, más introspectivos.
En términos de color, Rothko aplica el color en la obra a través de capas colocando los brillantes i ricos colores amarillos y naranjas sobre un fondo de naranja más tenue, más suave. El resultado es un notable efecto de la luz: el resplandor del amarillo interactúa con el naranja ardiente, y ambos son equilibrados por suave fondo naranja. Toda la pintura está impregnada de una calidad luminosa excelente. Rothko insistió durante su carrera artística que estaba más interesado en la luz que en el color.

En la década de los años 50, el tamaño de los lienzos de Rothko impactaba al público, ya que consideraban que eran demasiado grandes, pero él había dejado claro varias veces que quería que se rodearan de los colores, que los absorbiesen para lograr captar las expresiones y los sentimientos que quería transmitir.

Mediante la superposición de capas de colores de diferentes, que adquieren diferentes tonalidades de amarillo y naranja, podemos decir que la obra tiene cierta profundidad y que por tanto, no es completamente plana.

En ningún momento podemos hablar de una composición tradicional ni de esquemas geométricos clásicos, ya que a partir de la modernidad las obras no se adhieren a estas reglas utilizadas durante años y por tanto el análisis formal de las piezas es un poco más complejo y diferente.

En la obra podemos distinguir dos o tres rectángulos, los dos rectángulos interiores más el que se forma a partir de la suma de estos, que se muestran encima de un fondo que les envuelve por todas partes y al mismo tiempo los separa entre sí.

Los bordes de los rectángulos no están delimitados completamente, están difuminados, evitando que se rompa el efecto óptico de los colores de la obra y dejando que los ojos de los espectadores se muevan lentamente de una área a la otra de una forma contemplativa.

3. SIGNIFICADO DE LA OBRA

El propio Mark Rothko nos explica el porqué de este tipo de obras: "mi arte es abstracto, vive y respira", aunque de igual modo afirmaba que, ante sus obras "callar es bastante acertado". Hace referencia el autor, con ambas ideas, a la necesidad de que sea el propio espectador el que construya la significación de la obra. Por eso el cuadro es algo vivo, porque no va a dejar insensible al espectador, el cual se identificará con la obra o la rechazará, como nos ocurre con la música. Por eso mismo, el cuadro no tiene una explicación objetiva, dependerá en cada caso del observador que lo contemple.

En definitiva, el cuadro simboliza el propio deseo del artista de conseguir, en palabras de Rothko,"expresar las emociones humanas más elementales. La tragedia, el éxtasis, la fatalidad del destino..."Se trataría, por tanto, de obtener una reacción próxima a aquella que se produce ante determinadas ceremonias religiosas.

En conclusión, los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro.

En relación a las características del estilo del autor podemos decir que utiliza grandes lienzos propios del expresionismo abstracto. También otorga más importancia al proceso de creación de la obra más allá del resultado de la misma. Utiliza nuevos utensilios para impregnar la tela con pintura como es la esponja. A pesar de que pertenece a un movimiento como el expresionismo abstracto su pintura se clasifica en un subgrupo llamado «Color field painting» el cual empleaba grandes campos de color en sus cuadros para representar los sentimientos y emociones que se querían expresar y transmitir a través del proceso creativo, emociones mayoritariamente negativas. Por otro lado, encontramos el hecho de romper con la perspectiva clásica y dejar de incluir un único centro de atención en las obras.

Al inicio de su carrera artística, Rothko pintó diferentes obras mientras se formaba en varias escuelas de arte de Nueva York. Estas obras fueron influidas por diferentes artistas tales como Cézanne, Milton Avery. Tuvo como referentes movimientos vanguardistas como el fauvismo y el cubismo. Algunas de sus primeras obras fueron retratos, otras paisajes...

Las muestras Cubism and Abstract Art y Fantastic ArtDada, Surrealism, organizadas en 1936 por Alfred J. Barr en el Museum of Modern Art, ejercieron una enorme influencia sobre él y su obra derivó hacia planteamientos surrealistas. Tras la Segunda Guerra Mundial, conoció a Clyfford Still y ambos comenzaron a investigar las posibilidades de la color field painting (pintura de campos de color). Hacia 1950, Rothko ya había abandonado las referencias figurativas y había comenzado a desarrollar la personal abstracción que definiría desde entonces su pintura. En sus grandes lienzos, amplios campos de color rectangulares de perfiles indefinidos flotan suspendidos sobre fondos monocromáticos.

A finales de los años sesenta, en medio de una crisis depresiva, pintó una serie de obras con pintura acrílica negra que evocaban su profunda melancolía. Incapaz de superar este estado de ánimo, terminaría suicidándose en 1970

Podemos decir que Rothko innovó en el ámbito pictórico con su obra única y pionera. La técnica que utilizó y la idea de los grandes campos de color con los que quiso transmitir sus emociones y expresiones fueron algo único y lo siguen siendo a día de hoy.

Su obra influyó enormemente en las vanguardias posteriores.

En los años 40 en Europa surgen algunos movimientos políticos que persiguieron el arte de las vanguardias. Muchos de estos artistas se vieron amenazados, no solo por su producción artística sino por sus ideologías. Por tanto, muchos de ellos tuvieron que emigrar o exiliarse a Estados Unidos. Allí, donde los artistas se veían potenciados por el gobierno para producir un arte totalmente genuino del país, los artistas europeos encontraron un refugio artístico y político y se empezó a producir un arte diferente: el arte de las segundas vanguardias.

Durante la posguerra se produce en Occidente un rechazo por la pintura figurativa, la cual cosa dará origen a las tendencias denominadas informalistas. En Europa occidental se mantendrá esta denominación, mientras que en Estados Unidos se llama Expresionismo abstracto. El inicio de esta tendencia tiene fecha en el año 1947, cuando los artistas más representativos de esta corriente se alejan de la influencia del Surrealismo para situarse dentro de un arte en el que el artista utiliza la obra para liberar sus estados de ánimo, su subjetividad, prescindiendo del mundo exterior. Por esto se llama expresionista ya que las obras poseen partes de la personalidad del artista que las crea y reflecte sus emociones: ansiedad, rabia, tristeza... emociones universales. La presentación oficial de este corriente se realiza en el MOMA en el año 1951.

Se considera que hay una clara influencia de Kandinsky, que entonces vivía en Estados Unidos y había publicado un libro donde planteaba que los colores tienen valor por sí mismos, los cálidos son los colores del espíritu y los fríos son los de la materia. Por todo esto este «expresionismo» se llama abstracto.